De todas as obras no Museu do Louvre, a Vitória de Samotrácia e a Vênus de Milo estão entre os mais admirados: na sua representação marcante da forma. Estes exemplos mostram essa busca artística de escultores, que tiveram uma influência indelével na arte ocidental.
Inspirados essencialmente pelo corpo humano, os artistas gregos criaram uma arte em uma escala humana e focalizada sobre a forma humana, em contraste com anteriores civilizações antigas que sempre concentraram-se no mundo inacessível dos deuses.
Na religião egípcia, o deus Thoth (egipcio) foi o criador da escrita, e, portanto, da representação artística, que foi considerada mágica e potencialmente viva. Necessariamente perfeita, desde o início, esta arte criada a serviço dos deuses e dos mortos foi limitado por princípios fundamentais que foram essenciais para o equilíbrio do universo. O conservadorismo egípcio neste campo há mais de três mil anos, portanto, não é difícil de entender: dentro desse quadro altamente estruturado, a inovação foi mínima e arriscada.
Na Grécia, no entanto, toda a criação humana era esforço em direção à perfeição, e a constante melhoria era necessária para ganhar o favor dos deuses difíceis e caprichosos. O conceito de "agon", ou competição, foi a força motriz da sociedade grega, estimulando artistas de cada cidade a fazer constantes inovações de geração em geração. Assim, em menos de sete séculos, as formas simples do estilo geométrico evoluiu para figuras como a Vênus de Milo e o Gladiador Borghese.
E, assim, também, ao longo do último milênio a.C. a, civilização grega estabeleceu as
bases para o conjunto da arte ocidental.
A Vênus de Milo, ou Afrodite de Melos (como o nome da ilha grega em que foi descoberto em 1820), é um desses exemplares magníficos. Seu torso nu lhe permitiu ser identificado como Afrodite, a Vênus romana, deusa do amor e da beleza, nascida da espuma do mar. E com ela, a arte grega deu à luz os nus femininos de toda a arte ocidental.
Certos detalhes estilísticos indicam um data de cerca de 100 a.C. Sua silhueta alongada, posição no espaço, e nudez sensual, muito sensual e realista liga este trabalho ao período helenístico (323-31 aC), a última grande era na história grega. Seu rosto, impassível neutro, no entanto, faz um grande contraste, um pouco como uma máscara que foi adicionada. Intemporal e sem emoção, [seu rosto] é composto de um jogo de proporções: é três vezes mais tempo que o nariz, que é uma continuação da fronte neste "perfil Grego" - que os gregos, é claro, realmente não tem! O que o escultor estava buscando retratar era a beleza divina, dos ideais de Platão, e não a realidade mundana.
Esta imagem "que expressa a beleza em uma linguagem que é sempre a nossa própria" (Alain Pasquier) oferece uma bela resposta à
eterna busca da beleza, em suma, é uma obra atemporal.
Gerreiro lutando
O Gladiador Borghese - originalmente parte da coleção italiana da qual leva o nome - é na verdade uma representação de um guerreiro em luta. A obra, cujo tronco de árvore tem a assinatura de Agasias de Éfeso, filho de Dositheus, lembra o trabalho de Lysippos, o grande escultor de bronze do século IV a.C. A musculatura acentuada, entretanto, traz a marca da Escola de Pérgamo. Agasias reviveu o heroísmo Atlético de Lysippos, misturando-o com o pathos do período helenístico.
Descrição O guerreiro da coleção Borghese
Desde a sua descoberta no início do século XVII, o Gladiador Borghese foi elogiado como um modelo estético do nu masculino em movimento. Foi infinitamente copiado, modelado e adaptado por artistas modernos e contemporâneos.
A estátua foi descoberta ao sul de Roma, em Anzio (antigo Antium), durante escavações realizadas sob a égide do Cardeal Scipion Borghese. O cardeal acrescentou-o a sua coleção pouco antes de 1611, e foi restaurado por Nicolas Cordier, que o completou, acrescentando o braço direito. Em 1808, a estátua deixou a Itália para o Louvre, na sequência da compra da coleção por Napoleon I de seu cunhado, o príncipe Camille Borghese.
Durante muito tempo, foi erroneamente pensado que a figura era um gladiador (apesar do fato de que os gregos não eram detentoras de espectáculos de circo de gladiadores), antes da cinta de escudo em seu braço esquerdo o identificar como um guerreiro. Nosso herói se defende energicamente, empurrando o tronco para a frente em um movimento que é tanto defensivo e de auto-proteção. Protegido por trás de seu escudo, ele se prepara para contra-atacar, seu rosto virou-se bruscamente para o seu adversário (talvez um cavaleiro?).
Um trabalho inspirado por um bronze de Lysippos
A peça, assinada no tronco por Agasias de Éfeso, filho de Dositheus, tem sido objecto de controvérsia a respeito de seu lugar na arte grega. Ela foi criada por volta de 100 aC. No entanto, a silhueta alongada da figura, as proporções reduzidas da cabeça e os músculos
vigorosamente modeladas são uma reminiscência do trabalho de Lysippos de Sicyon, o grande escultor de bronze do século IV aC. O Gladiador Borghese poderia, assim, ser uma cópia helenística - criado para um cliente romano - do bronze feito por Lysippos ou um de seus seguidores no final do período clássico. - A presença da árvore parece confirmar essa hipótese - que provavelmente mostra a necessidade de fortalecer um trabalho que foi originalmente em bronze, exigindo, portanto, um apoio - que depois foi transposta para o mármore, um material muito mais pesado e mais facilmente quebrado.
A marca de experimentação helenística
Mais do que uma simples reprodução fiél de um original grego, a estátua deve ser vista
como interpretação liberal de Agasias do modelo clássico, ao qual ele acrescentou inovações em sua própria época.
A estátua está claramente dentro do âmbito das experiências estéticas do período helenístico tardio, em particular a influência das criações escultpurais barrocas de Pergamon. A ousadia da composição, que ancora o guerreiro em um espaço tridimensional, e convida o espectador a observar por todos os lados, é uma constante na arte helenística. A prestação exagerada da musculatura e da violência do movimento da figura - organizado ao longo de um amplo diagonal - recorda os frisos do Altar de Pérgamo, erguido no início do século II aC, que retrata a batalha entre os Deuses e os Gigantes.
O pathos no tratamento da face acentua a intensidade do esforço do guerreiro.
Texto e fotos do Museu do Louvre
Inspirados essencialmente pelo corpo humano, os artistas gregos criaram uma arte em uma escala humana e focalizada sobre a forma humana, em contraste com anteriores civilizações antigas que sempre concentraram-se no mundo inacessível dos deuses.
Na religião egípcia, o deus Thoth (egipcio) foi o criador da escrita, e, portanto, da representação artística, que foi considerada mágica e potencialmente viva. Necessariamente perfeita, desde o início, esta arte criada a serviço dos deuses e dos mortos foi limitado por princípios fundamentais que foram essenciais para o equilíbrio do universo. O conservadorismo egípcio neste campo há mais de três mil anos, portanto, não é difícil de entender: dentro desse quadro altamente estruturado, a inovação foi mínima e arriscada.
Na Grécia, no entanto, toda a criação humana era esforço em direção à perfeição, e a constante melhoria era necessária para ganhar o favor dos deuses difíceis e caprichosos. O conceito de "agon", ou competição, foi a força motriz da sociedade grega, estimulando artistas de cada cidade a fazer constantes inovações de geração em geração. Assim, em menos de sete séculos, as formas simples do estilo geométrico evoluiu para figuras como a Vênus de Milo e o Gladiador Borghese.
E, assim, também, ao longo do último milênio a.C. a, civilização grega estabeleceu as
bases para o conjunto da arte ocidental.
A Vênus de Milo, ou Afrodite de Melos (como o nome da ilha grega em que foi descoberto em 1820), é um desses exemplares magníficos. Seu torso nu lhe permitiu ser identificado como Afrodite, a Vênus romana, deusa do amor e da beleza, nascida da espuma do mar. E com ela, a arte grega deu à luz os nus femininos de toda a arte ocidental. Certos detalhes estilísticos indicam um data de cerca de 100 a.C. Sua silhueta alongada, posição no espaço, e nudez sensual, muito sensual e realista liga este trabalho ao período helenístico (323-31 aC), a última grande era na história grega. Seu rosto, impassível neutro, no entanto, faz um grande contraste, um pouco como uma máscara que foi adicionada. Intemporal e sem emoção, [seu rosto] é composto de um jogo de proporções: é três vezes mais tempo que o nariz, que é uma continuação da fronte neste "perfil Grego" - que os gregos, é claro, realmente não tem! O que o escultor estava buscando retratar era a beleza divina, dos ideais de Platão, e não a realidade mundana.
Esta imagem "que expressa a beleza em uma linguagem que é sempre a nossa própria" (Alain Pasquier) oferece uma bela resposta à
eterna busca da beleza, em suma, é uma obra atemporal.
Gerreiro lutando
O Gladiador Borghese - originalmente parte da coleção italiana da qual leva o nome - é na verdade uma representação de um guerreiro em luta. A obra, cujo tronco de árvore tem a assinatura de Agasias de Éfeso, filho de Dositheus, lembra o trabalho de Lysippos, o grande escultor de bronze do século IV a.C. A musculatura acentuada, entretanto, traz a marca da Escola de Pérgamo. Agasias reviveu o heroísmo Atlético de Lysippos, misturando-o com o pathos do período helenístico.
Descrição O guerreiro da coleção Borghese
Desde a sua descoberta no início do século XVII, o Gladiador Borghese foi elogiado como um modelo estético do nu masculino em movimento. Foi infinitamente copiado, modelado e adaptado por artistas modernos e contemporâneos.
A estátua foi descoberta ao sul de Roma, em Anzio (antigo Antium), durante escavações realizadas sob a égide do Cardeal Scipion Borghese. O cardeal acrescentou-o a sua coleção pouco antes de 1611, e foi restaurado por Nicolas Cordier, que o completou, acrescentando o braço direito. Em 1808, a estátua deixou a Itália para o Louvre, na sequência da compra da coleção por Napoleon I de seu cunhado, o príncipe Camille Borghese.
Durante muito tempo, foi erroneamente pensado que a figura era um gladiador (apesar do fato de que os gregos não eram detentoras de espectáculos de circo de gladiadores), antes da cinta de escudo em seu braço esquerdo o identificar como um guerreiro. Nosso herói se defende energicamente, empurrando o tronco para a frente em um movimento que é tanto defensivo e de auto-proteção. Protegido por trás de seu escudo, ele se prepara para contra-atacar, seu rosto virou-se bruscamente para o seu adversário (talvez um cavaleiro?).
Um trabalho inspirado por um bronze de Lysippos
A peça, assinada no tronco por Agasias de Éfeso, filho de Dositheus, tem sido objecto de controvérsia a respeito de seu lugar na arte grega. Ela foi criada por volta de 100 aC. No entanto, a silhueta alongada da figura, as proporções reduzidas da cabeça e os músculos
vigorosamente modeladas são uma reminiscência do trabalho de Lysippos de Sicyon, o grande escultor de bronze do século IV aC. O Gladiador Borghese poderia, assim, ser uma cópia helenística - criado para um cliente romano - do bronze feito por Lysippos ou um de seus seguidores no final do período clássico. - A presença da árvore parece confirmar essa hipótese - que provavelmente mostra a necessidade de fortalecer um trabalho que foi originalmente em bronze, exigindo, portanto, um apoio - que depois foi transposta para o mármore, um material muito mais pesado e mais facilmente quebrado.
A marca de experimentação helenística
Mais do que uma simples reprodução fiél de um original grego, a estátua deve ser vista
como interpretação liberal de Agasias do modelo clássico, ao qual ele acrescentou inovações em sua própria época.
A estátua está claramente dentro do âmbito das experiências estéticas do período helenístico tardio, em particular a influência das criações escultpurais barrocas de Pergamon. A ousadia da composição, que ancora o guerreiro em um espaço tridimensional, e convida o espectador a observar por todos os lados, é uma constante na arte helenística. A prestação exagerada da musculatura e da violência do movimento da figura - organizado ao longo de um amplo diagonal - recorda os frisos do Altar de Pérgamo, erguido no início do século II aC, que retrata a batalha entre os Deuses e os Gigantes.
O pathos no tratamento da face acentua a intensidade do esforço do guerreiro.
Texto e fotos do Museu do Louvre
O ideal grego sempre foi a busca da perfeição, em suas estátuas esse ideal se mostra de forma irrefutável.
ResponderExcluirTodas as estátuas gregas tem corpos com algumas deformações do real procurando ascentuar formas que reforçam movimentos e expressões. Porém tais deformações do real passam despercebidas ao olhar o conjunto. Aí está o requinte de sua arte, apenas ao olhar crítico estético se apresenta o exagero. Pode-se dizer que as estatuas gregas chamam primeiro a tenção da Essência, pois se comunicam com a perfeição. O olhar egoico se fixa nas proporções físicas e deixa escapar a emoção do instante retratado.
Essas figuras tem olhares e gestos as vezes contraditorios, como no caso do rosto impassível da Vênus e seu sensualismo físico. As vezes as figuras se dividem em duas partes, uma em movimento e outra em repouso. Porém quando se olha com o coração se compreende a enteireza da mensagem. Há sempre uma luta vencida pela justiça, claramente expressada em seus rostos.
Suas mulheres são sempre sensuais, leves, porém firmes e nobres. Nunca inspiram luxuria em seus corpos desnudos, mas sim a veneração. Da mesma forma seus guerreiros e deuses são a própria força de isnpiração superior.
A arte egipcia ao contrário, está intimamente ligada com o ensino e estudo religioso. A religião sendo a base de toda a organização social do estado egipcio elevava a arte ao seu tom mais puro.
ResponderExcluirA arte egipcia continha a escrita, a escultura e a pintura. Todas relacionadas a transmição de conhecimento. Isso dava a forma utilizada na arte um carater ritual necessário pela busca do melhor entendimento do que se estava expressando e não de um ideal estético puro como no caso do grego.
O documentário O OLho de Hórus nos leva a uma viagem exploratoria para entendermos a profundidade do valor artistico dessa sociedade, além de vários outros temas ligados ao conhecimento gnóstico desse povo.
Veja os vídeos:
http://artegnose.blogspot.com/2010/05/o-olho-de-horus-parte-1-50-episodio-1.html